Berlín. Marzo 2010.
Esta foto corresponde al escaparate de una perfumería que ví en Berlín, en 2010. Un escaparate exquisito.
Y hablando de escaparates exquisitos, aquí va otro de la misma ciudad, el mismo día y la misma Avenida:
Berlín. Marzo 2010.
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Se la describe como: "Creada por por Nicolas Ghesquière, Florabotanica es un eau de parfum totalmente sintético, que combina hoja vetiver, ámbar y caladium para crear una resonancia de madera cubierto de musgo oscuro y misterioso, con un toque de rosa, clavel y menta que le aporta frescura al instante, una ‘colección floral’ muy creativa y experimental, con mucho encanto y misterio."
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El 31 de agosto de 1963, pocos días despues del pase de la colección otoño invierno en París; la Revista Triunfo publica el artículo: "Made in Paris. El nuevo estilo para la mujer 63-64."
Christian Dior: "Ludovic". Traje de chaqueta en tweed escocés beige. El casquete es del mismo tejido.
El artículo dice: " Estos modelos no han sido escogidos al azar. Cada uno de ellos lleva la firma de un gran modista parisino y pertenece, no hace falta decirlo, a las colecciones presentadas hace unos días en París. Son estas colecciones las que marcarán los cánones de la elegancia femenina para el próximo invierno.
Los modelos que aquí figuran son los que más han llamado la atención de los periodistas especializados y de los compradores, que como todos los años, han acudido desde muchos países. En cierto modo podemos decir que se trata de los "Best Seller" de la nueva temporada.
Los modistas han creado sus modelos basándose en el confort. Y como nada garantiza mejor el confort de las elegantes que el uso de las pieles, los diseñadores las han empleado en todos los modelos posibles.
Los modelos de la temporada próxima serán mas "sport" que los de la anterior. Las botas, las polainas y los zapatos planos harán furor este invierno. Ante la indignación de algunos especialistas, contrarios a las innovaciones, un modista ha presentado los pantalones de golf para señoras que seguramente no se llevarán mas que para algún fín de semana en el campo.
Este relativo "dejarse ir" en los conjuntos de diario, está compensado por el lujo de los trajes de noche que serán muy escotados y femeninos."
Pierre Cardin. Traje de chaqueta de lana en pata de gallo en negro, beige y marrón. El sombrero que por su forma, recuerda a la teja de los sacerdotes, es de fieltro. Como complemento, la modelo lleva unas botas altas en piel de cabra.
Jacques Heim. "Vienne". Conjunto de cóctel en cibelina verde, ribeteado en visón negro. El sombrero es de la misma piel. Macgy Rouff. "Marot". Conjunto en pata de gallo negra y blanca. El cuello -de quita y pon- es de castor negro.
Luis Feraud. "Interdit". Abrigo blanco de lana con lospuños de renard.
Jacques Esterel. "New York". Vestido de noche de punto, en color gris topo, muy escotado según los cánones que marcan la moda de esta temporada. Yves Saint Laurent. traje casulla, en escocés blanco y negro. las mangas y el cuello son en punto de olor negro.
Nina Ricci. "Alger". Traje abrigo en mezclilla gris. El cuello, muy grande, al estilo de una colegiala, abrocha delante con un lazo. El sombrero es de fieltro gris y rojo. Pierre Balmain. "Andante". Vestido de noche en encaje marrón, adornado con mouselina del mismo color.
Ferreras. Vestido de noche en raso, color caldero. El cuerpo del traje es de plumas color castaño dorado. El abrigo es tambien de raso, color caldero.
Jacques Griffe. Vestido de novia en brocado blanco. El talle, muy alto, se marca ligeramente. Un capuchón de tul cubre levemente las tres rosas de tela que componen el tocado.
Lo cierto es que ahora, 49 años despues, lo primero que pienso cuando ojeo este artículo es: "Qué influencia tan tremenda, la de Balenciaga en sus coetáneos!". En un primer vistazo, todas las creaciones de los diseñadores de este artículo, recuerdan a Balenciaga: Mangas, cuellos, volúmenes, largos, botones, tejidos....una estética similar. Pero no son Balenciaga.
Relmente era así. Me refiero a la influencia que ejercía en todos ellos. Practicamente todos, le copiaban. El era el primero , el líder . Y como líder, marcaba la pauta. Y con "pauta" no me refiero al concepto efímero de "Tendencia Estética", es decir: "ahora se lleva ésto, mañana ésto, estará muerto". Me refiero a "pauta" en el sentido de "Influencia Estética y Profesional". No sólo el de Balenciaga era un "Estilo" que tantas veces se ha descrito como innovador, elegante, refinado, sobrio... era un "savoir faire" en el ejercicio de la profesión, que todos quisieron copiar y aplicar: La Técnica Balenciaga. La técnica que él desarrolló a lo largo de su vida, a través de una investigación permanente, una observancia de la antomía femenina, de los modos y maneras del contexto socio-político en el que vivió y entorno al que vistió; de un profundo conocimiento del oficio de la costura y de un don: el estar dotado para la creación.
La Técnica Balenciaga
Ese sello inconfundible que sólo se puede plasmar cuando se comprende y conoce a la perfección el proceso de confección de principio a fín, en la Alta Costura (la de Balenciaga): desde comprender el cuerpo de la clienta, interpretarlo... hasta obtener el resultado final (tras un complejo y arduo trabajo artesanal): una prenda equilibrada en sus formas, volumen, color, tejido...Una prenda ligera, cómoda, perfectamente aplomada (es decir con una "bonita caída" y ajustada al cuerpo, de manera que acompaña a éste en su movimiento; nunca, al revés). Una prenda bella. Un objeto precioso. "Un balenciaga".
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Con motivo del 40 aniversario de la muerte de Balenciaga, SueMissindie, blogger de TRENDENCIAS, escribe este artículo en su blog, que acabo de leer y que recorto y pego aquí, de forma literal.
En primer lugar, dar la enhorabuena a SueMissindie por haber escrito este artículo tan completo, sensible, preciso y cuidadosamente trabajado. Me ha encantado! Y despues, por supuesto, darle las gracias por haber acudido a mi blog para documentarse sobre el gran modisto. Es para mí un honor que la historia de mi familia y su relación con Balenciaga sirva a otros para su trabajo e investigaciones. Mi padre ya no está aquí, pero si lo hubiese leído, le hubiese encantado! Tanto él como mi abuelo, como buenos discípulos de Balenciaga, divulgaron la obra del gran modisto. Y como en otras ocasiones he comentado, ahora me toca a mí dar a conocer lo que he visto en mi casa y lo que mi familia me ha transmitido en relación a la Alta Costura, Balenciaga y su obra y el contexto en que se desarrollaba este mundo, hoy desaparecido. Todo ello aparecerá publicado en el libro: "Balenciaga. Mi Jefe": Obra póstuma de mi padre: Juan Mari Emilas.
Aquí va el artículo:
SueMissIndie 23 de marzo de 2012 | 16:06
Escribir un post sobre Balenciaga impone mucho. Cristóbal Balenciaga es el mejor diseñador que ha tenido España y sin duda uno de los mejores del mundo. Hablar sobre él es un acto de recogimiento y de asombro, siempre se descubren detalles nuevos sobre su vida y trabajo. Hoy se cumplen 40 años de su muerte y es un buen momento para recordar la figura de Balenciaga. El maestro de Guetaria sigue más vivo que nunca gracias al museo que lleva su nombre y a la casa Balenciaga, que sigue en el top ten de las grandes marcas de moda.
“Una mujer no tiene necesidad de ser perfecta ni bella para llevar mis vestidos, el vestido lo hará por ellas”.
Cristóbal Balenciaga Eizaguirre nació en Guetaria (Guipúzcoa) el 21 de enero de 1895. Su familia era muy humilde, su padre pescador y su madre costurera. El pequeño Balenciaga siempre mostró predilección por la moda. La Marquesa de Casa Torre, que veraneaba en Guetaria, se sintió maravillada por las ganas del joven Balenciaga en ser modisto y lo introduzco en las maravillas de la alta costura. En 1907 se traslada a San Sebastián e inicia el aprendizaje como sastre en grandes casas de costura de la época, como Casa Gómez y New England.
En el año 1911 comienza a trabajar en los Grandes Almacenes Au Louvre de San Sebastián y en poco ya es jefe del taller de señoras. En 1914 se traslada a Burdeos para trabajar en una reconocida casa de modas. En 1917 crea su propia casa denominada C. Balenciaga en el número 2 de la calle Vergara de San Sebastián. 1918 se asocia con las hermanas Lizaso, comerciantes vascas, y componen los tres la sociedad Balenciaga y Compañía. En el año 1924 se disuelve la Balenciaga y Compañía y se establece él solo en el número 2 de la avenida de la Libertad. La reina María Cristina y la infanta Isabel Alfons se hacen clientes de Balenciaga, al igual que parte de la corte y la aristocracia de la época. En 1927 funda Eisa Costura, en el número 10 de la calle Oquendo de San Sebastián, con taller también de alta costura.
En 1931 en la Segunda República mucha de la clientela de Balenciaga se ve obligada a exiliarse debido a las dificultades del momento. La actividad de Balenciaga se ve mermada por ese hecho. En 1932 abre un nuevo establecimiento llamado B. E. Costura. En 1933 cierra Eisa Costura y B. E. Costura y funda EISA B. E. Costura. Abre una nueva sucursal el Madrid, en la calle Caballero de Gracia, 42 y en 1935 otra en Barcelona en el número 10 de la calle Santa Teresa.
En 1936 con la Guerra civil española Cristóbal Balenciaga se traslada a París. Las tres casas que tiene en España cesan su actividad temporalmente. En 1937 crea BALENCIAGA junto a Nicolás Bizcarrondo y Wladzio d´Attainville. Presenta su primera colección de Alta Costura que tiene un gran éxito. En 1938 su casa de San Sebastian se llamará Eisa Costura, al termino de la Guerra Civil las casas de Madrid y Barcelona también llevarán el mismo nombre. En 1939 Balenciaga presenta una colección con sus famosos vestidos “infanta”. En 1945 participa en el «Théâtre de la Mode», una exposición itinerante de muñecas vestidas de alta costura por los grandes diseñadores franceses.
En el año 1947 nace el primer perfume de Balenciaga llamado Le Dix y se presenta la colección denominada tonneau o barrol, una etapa donde experimenta con el volumen. En 1957 vuelve a las lineas más fluidas.
En 1958 el modisto presenta el vestido baby doll y los vestidos de cola de pavo real, más largos por detrás que por delante. Abraham crea para el modisto el tejido gazar. El Gobierno francés le otorga el título de Chevalier de la Légion d’honneura. La prensa le denomina “el Maestro” y el “Rey de la alta costura”.
En 1960 Balenciaga diseña el traje de novia de Fabiola de Mora, futura reina de Bélgica. En 1963 Balenciaga presenta un estilo sport e introduce las primeras botas de alta costura realizadas por Mancini. En 1968 diseña los uniformes de las azafatas de Air France. Es también el año que presenta su última colección y anuncia su retiro, así como el cierre de todas sus casas de París, Madrid, Barcelona y San Sebastián. Balenciaga deja la alta costura después de 50 años.
En el año 1972 reaparece para diseñar el vestido de novia de Carmen Martínez-Bordiú, nieta de Franco. El modisto fallece en Jávea (Alicante), el 24 de marzo de 1972.
Un modisto debe ser un arquitecto para los planos, escultor para la forma, pintor para el color, músico para la armonía y filósofo para la medida.
Para escribir esta parte del artículo he leído con detenimiento y gran satisfacción el blog de la hija de una de las personas que compartió con Balenciaga grandes momentos y mucho trabajo. Se trata de Juan Mari Emilas, fue modisto al igual que su padre Juan Emilas, en la Casa Eisa de Madrid. Amigos y empleados del gran Balenciaga.
El abuelo de la autora del blog fue Maestro de la sección de Sastrería, junto con Felisa Irigoyen, Maestra de la sección de Fantasía, colaboradores de Balenciaga en España, desde 1926 hasta 1964. Hay un documental del año 2007 del director Oskar Tejedor “Balenciaga. Permanecer en lo Efímero”, en el que participó Juan Mari Emilas.
Juan Mari Emilas, aprendió el oficio de la mano de su padre en la casa de modas de Balenciaga. Allí empezó como aprendiz y fue escalando posiciones trabajando muy duro. No era nada fácil llegar a ser maestro o premiers. En los talleres era el lugar donde se llevaba acabo la misteriosa “Técnica Balenciaga”. Mariu Emilas nos cuenta en su blog el secreto de la “Técnica Balenciga”:
En la Casa de Madrid había cinco talleres o secciones: uno de Sastrería, dos talleres de Fantasía, uno de Sombrerería y el de Guarnicionería.
En el taller de Sastrería había 4 maestros: Pepita García, Maritxu Esnal, Faustina Sabido y Juan Emilas. Los maestros, primeros o premiers, como se les llamaba en París eran la máxima autoridad en el taller.
La Casa de Madrid estaba en la Gran Vía. Ocupaba dos plantas. La primera estaba conformada por dos pisos contiguos de aproximadamente unos 400 metros cada uno.Y en un sala amplia, estaba el taller donde convivían los cuatro maestros. Cada uno tenía a su cargo dos cortadores y un equipo de modistas: seis o siete oficialas. Cada oficiala tenía un primer ayuda, segunda ayuda y aprendiz.
Mi padre comenzó su formación con 17 años como aprendiz, con el oficial Mario Alonso, con quien estuvo aproximadamente un año. Posteriormente pasó a ser aprendiz de la oficiala Alejandra del Dedo.
En esta primera fase, el aprendizaje consistía en: Pasar hilos, hilvanar y hacer hombreras para después pasar a: plancha, secado de entretelas, deslustre de telas y sobrehilado.
Una vez superada la fase de aprendiz que podía durar un par de años, se pasaba a ser segunda ayuda. En esta etapa se aprendía a hacer mangas, hacer ojales, tapas de bolsillos carteras y preparar forros. Se practicaba todo ésto en retales.
Como primera ayuda, ya se empezaba a montar las prendas, hacer ojales en las prendas, pegar cuellos y mangas y hacer bolsillos.
De modo que una vez que se era oficial, ya se sabía hacer una prenda de principio a fin.
Cuando un cortador faltaba porque se jubilaba, dejaba el trabajo, etc..; el oficial ú oficiala que llevaba más tiempo, pasaba a ser cortador/a. Esto significa que muchos oficiales nunca llegaban a ser cortadores. Mi padre pasó a esta categoría cuando ya llevaba seis años de formación. Con 23 años.
Los cortadores eran los encargados de pasar los patrones de papel – así llegaban de París- a las toiles. Estas se las probaban los maestros a las clientas y una vez probadas, los cortadores “afinaban el patrón”, cortaban la tela y se la entregaban con las indicaciones correspondientes a la oficiala encargada de confeccionar la prenda, para que la fuese haciendo.
Tras esta primera prueba, el maestro, que es ahora quien afina la prenda, se la entrega a la oficiala para que la siga preparando “adelantada”, para la segunda prueba . Así hasta la tercera prueba o “terminada”. En ocasiones, también son los cortadores quienes afinan la prenda durante este proceso.
Normalmente para la confección de una prenda eran suficientes tres pruebas. Había salvedades en función la complejidad del cuerpo de la clienta, por ejemplo.
Pero para estos casos existían los maniquíes expresamente realizados para ellas.
Las pruebas de las prendas solo las realizaban los maestros, si bien, muchas oficialas sabían probar porque habían aprendido a base de fijarse en los maestros.
Mi padre empezó el aprendizaje de las pruebas, ayudando a su padre en el Salón.
Salir al salón era un privilegio que pocos tenían. Solo lo hacían los maestros y la persona que les ayudaban en las pruebas.
El salón era el espacio reservado para las pruebas. Mi padre hacía pasar a la clienta, le ayudaba a desvestirse, le colocaba la prenda y posteriormente mi abuelo aparecía para probar. De esta forma fue como Juan Emilas III aprendió los secretos de las pruebas y conoció a multitud de clientas, que posteriormente muchas, pasaron a ser suyas.
Estos secretos que forman parte de la llamada Técnica Balenciaga siempre fueron celosamente guardados, sobre todo por los maestros de la casa de París, que nunca estuvieron dispuestos a compartirlos. El caso es que una prenda de Balenciaga, no solo se denomina así porque es única, irrepetible y está hecha a medida de la clienta con un patrón específico; sino porque está confeccionada con una técnica determinada. Todo el proceso es complejo y exige de gran conocimiento para conseguir el resultado óptimo. Y una de las cuestiones primordiales son las pruebas. Es una parte del proceso que muy pocos dominan verdaderamente y que en gran medida determinará el sello Balenciaga.
Balenciaga era una persona muy discreta, tímida, seria, reservada y muy exigente. Se dejaba ver poco por los talleres pero era un trabajador arduo y meticuloso. Tuvo como discípulos a Courrèges, Ungaro y Oscar de la Renta. Hubert de Givenchy también fue uno de sus discípulos, bastante tardío, y amigo.Entre sus clientas famosas se encuentran: Marlene Dietrich, Greta Garbo, Ava Gardner, Jackie Kennedy, Audrey Hepburn etc
Balenciaga me dijo: Sabes, Hubert, el éxito no es sinónimo de prestigio. El éxito es efímero, y el prestigio permanece.
Diana Vreeland comenta que:
“la inspiración de Balenciaga provenía de las plazas de toros, de los bailarines de flamenco, de los holgados blusones que llevan los pescadores, del frescor de los claustros”
Coco Chanel admiraba profundamente a Balenciaga:
“Fue el verdadero costurero, capaz de conocer los tejidos, cortarlos, coserlos con sus manos. Los demás sólo son diseñadores”
El museo de Balenciaga abrió sus puertas en Junio 2011 en Guetaria, ciudad natal de diseñador. Una apertura complicada ya que era un proyecto lleno de conflictos políticos y monetarios. SuEl Museo Balenciaga se ubica en un edificio nuevo anexo al Palacio Aldamar. La obra es del equipo AV62arquitectos. La colección del museo consta de unas 1200 piezas. Hay cursos, talleres y diferentes exposiciones entorno a Balenciaga y la moda. El museo cuenta con un taller de recuperación y restauración de piezas. Como anécdota contar que la gran periodista Suzy Menkes acudió a la inauguración del museo.
Disponen de la beca Nardin para la consevación y restauración de trajes de Balenciaga. Disponen de una fundación, llamada Fundación Cristóbal Balenciaga Museoa. En el museo se realizan conciertos, conferencias y encuentros didácticos sobre la figura de Balenciaga.
Cristóbal Balenciaga, 1967-Balenciaga 2008A día de hoy Balenciaga es Nicolas Ghesquière. La casa Balenciaga pertenece al Grupo Gucci. Ghesquière ha sabido transmitir en sus diseños la esencia de Balenciaga gracias a los volúmenes y la arquitectura de sus prendas. Ghesquière hasta hace bien poco no tenía acceso a los archivos ni bocetos de Balenciaga pero aún así ha sabido adaptar el legado de maestro a todas sus prendas. Los perfumes y los bolsos tienen un gran éxito entre el publico. Muchas famosas son admiradoras de la marca, Jennifer Connelly, Nicole Kidman, Gwyneth Paltrow etc. Ahora mismo la tendencia peplum se debe al diseñador. Así que esperamos una larga y fructífera vida al tándem Nicolas Ghesquière-Balenciaga.
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Cristóbal Balenciaga, Cocktail hat of ivory silk satin, 1953. Originally published in Vogue, October 15, 1953. Photo: John Rawlings.
Siempre me ha maravillado esta fotografía de John Rawlings, donde Suzy Parker lleva un tocado de cóctel en satén, de Balenciaga. Está publicada originalmente en la revista Vogue, el 15 de octubre de 1953.
Creo que de todas las fotografías que existen en torno a las creaciones de Balenciaga, ésta es, para mí, una de las más sugerentes y hermosas. Es una de estas imágenes que no me canso de contemplar. Me maravilla la elegancia natural de Suzy Parker, su perfil, esa piel casi transparente, el maquillaje que roza la cursilería y se acomoda en el punto exacto para armonizar con el tocado. Me fascina ese esbelto cuello de cisne que a Balenciaga le interesaba destacar especialmente (este es un capítulo interesante: el valor y la atención que concedía Balenciaga al cuello de la mujer. A su largura, forma, movimiento... y cómo conseguía destacar la belleza de éste, en cada caso particular, con sus creaciones.); la "arrogancia" del gesto de la modelo; la extrema delicadeza y pureza de líneas del vestido y cómo el juego de broche y pendientes, lo hacen destacar. Pero lo que más me maravilla de este conjunto es el tocado. El tocado de satén rosa tan rematadamente cursi, tan... ¿ridículo? y a la vez, tan sumamente fino, delicado y equilibrador para el conjunto.
El pasado junio, en un bar de San Francisco, uno de los carteles que anunciaban la exposición: Balenciaga & Spain, en el museo Young, estaba pegado en la pared, con unos cuantos chorretes de cerveza por encima. La fotografía del cartel es ésta. El cartel me lo traje, claro. Lo he enmarcado en rosa. Un rosa suave, como el del tocado. Y de la exposición no he hablado todavía en este blog, pero lo haré en breve.
Y... volviendo a Suzy Parker: Ella fue una de esas mujeres a las que la naturaleza le sonrió. Tenía inteligencia y belleza. Heramana menor de la tambien modelo, Dorian Leigh, apareció en la revista Life cuando tenía 15 años. Fue modelo y actriz desde 1947 hasta la década de 1960. Su carrera como modelo alcanzó su apogeo durante la década de 1950 cuando apareció en la portada de docenas de revistas, anuncios, y tambien en cine y televisión. Fue la primera modelo, en posar ante una cámara, en bikini.
Suzy Parker, Antigua, West Indies, 1962. Photo by Richard Avedon.
Cuando Suzy Parker 15 años de edad, su hermana mayor, Dorian, ya era considerada una supermodelo. En ese período fue cuando Dorian telefoneó a la agencia de modelos Ford Models y les dijo a Eileen y Jerry Ford que firmaría con ellos si contrataban también a su hermana menor, hasta entonces desconocida. Ansiosos por representar a Dorian, ellos aceptaron esta condición. Esperando conocer a una versión más joven de Dorian, quedaron impactados al ver a Suzy por primera vez en un restaurante, principalmente por su estatura (1,72 m), su estructura ósea, su cabello rojizo y sus pecas. Al final, Suzy se hizo más famosa que Dorian.
Dorian la presentó a sus amigos fotógrafos Irving Penn, Horst P. Horst, John Rawlings y Richard Avedon, convirtiéndose eventualmente en musa de este último.
Suzy Parker y Mike Nichols, agosto de 1962. Photo by Richard Avedon.
Photo by Richard Avedon Foto de Richard Avedon
Suzy Parker, Marruecos, pour Elle, abril de 1953. Photo by Georges Dambier.
Suzy Parker with Gardner McKay and Robin Tattersall. Photo by Richard Avedon.
Photo by Richard Avedon
Photo by Richard Avedon
Photo by Georges Dambier.
Photo by Jack Robinson
Georges Dambier
Dior, 1952
Suzy Parker pour Givenchy, 1952. Photo by Henry Clarke
Advertisement from the Vogue archive - (01 NOV 1963)
Parker se convirtió en el «rostro insigne» de Coco Chanel. Se volvió su confidente, aconsejándola sobre hombres y dinero. Fue la primera modelo en ganar 200 dólares por hora y 1.000 por año.
Coco Chanel and Suzy Parker, 1962. Photo by Richard Avedon.
Suzy Parker pour Chanel, 1960. Photo by Henry Clarke.
Richard Avedon sugirió a Suzy para la película Funny face (1957). El rol de Fred Astaire se basaba en Avedon, mientras que el de Audrey Hepburn estaba inspirado en Suzy, quien apareció sólo un par de minutos en el filme. Sus otros créditos cinematográficos incluyen Kiss them for me (1957), The best of everything (1959), Ten north Frederick (1959), Circle of deception (1960) —donde conoció a su futuro marido, Bradford Dillman—, Flight from Ashiya (1964) y Chamber of horrors (1966). En televisión participó en Burke's law y Dimensión desconocida, además de apariciones en programas de concursos como I've got a secret.
Suzy Parker y Cary Grant en Bésalas por mí (1957). Photo by Henry Clarke.
Tras casarse con su tercer esposo, Bradford Dillman, en 1963, y de sufrir un accidente automovilístico en 1964, Suzy comenzó a retirarse del modelaje y de la actuación para vivir tranquilamente con su extensa familia en Montecito, California donde permaneció hasta el final de sus días. Falleció el 3 de mayo de 2003.
SUZY PARKER PARA BALENCIAGA
La revista Vogue la declaró como uno de los rostros de la mujer post-guerra, segura de sí misma.
Suzy Parker fue una de las grandes modelos de la década de los 50, los llamados: "Años Dorados", de la Alta Costura. Poseía la capacidad para mostrar la excelencia de un modelo de Balenciaga: Exquisitez, refinamiento, elegancia natural y extrema sencillez. A pesar de que Balenciaga no gustaba de publicitarse y de que una de sus conocidas frases es: “Una mujer no tiene necesidad de ser perfecta ni bella para llevar mis vestidos, el vestido lo hará por ellas”, mi opinión, desde lo que conozco del modisto y su obra, es que la" mujer/modelo/soporte" que llevaba una de sus prendas con la capacidad de expresar lo que el maestro pretendía, aportaba ese "toque final" que da lugar a que la obra culmine como tal. (Sin pretender con ésto, negar las palabras de Balenciaga. Por supuesto, él tenía la capacidad de "embellecer" a través de su trabajo. Es uno de los grandes "secretos" del maestro. Algo que conseguía a través de una ténica de Alta Costura inigualable, un conocimiento profundo de la anatomía femenina y una intuición a prueba de bomba.)
Suzy parker es protagonista de muchas de las fotografías que retratan emblemáticas piezas del maestro de Getaria.
Suzy Parker wearing Balenciaga for Conde Nast, 1953
Suzy Parker in Balenciaga, 1953. Photo by John Rawlings.
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Algunas creaciones de Balenciaga en las portadas de Vogue, Harper´s Bazaar, L´Officiel y Le Jardin des Modes. Es una pequeña muestra desde 1950 hasta 1962.
Resultan nostálgicas estas imágenes de tan conocidas creaciones, en la cubierta de las revistas de estas dos décadas tan prolíficas en el aspecto creativo: alta costura, diseño gráfico, fotografía...
Se aprecia la evolución en la tipografía y la maquetación, de las diferentes publicaciones.
Cristobal Balenciaga, apparel, textile spinning and weaving, Costa, Como, on the cover of Vogue Paris, May 1953
Regine Debrise in Balenciaga, French Vogue Oct. 1950, cover by Irving Penn.
Bazaar magazine cover, Noviembre 1950. Model: Dovima wearing Balenciaga. photo by Richard Avedon.
Balenciaga - L'Officiel Magazine. Oct 1950
December 1952. Evening dress.
1951. Summer Dress.
Model is wearing a hat of Balenciaga.French Fashion Magazine:Jardin des Modes,May 1962.
Model is wearing a Creation of Balenciaga. French Fashion Magazine:Jardin des Modes,November 1962.
Model is wearing a Creation of Balenciaga. French Fashion Magazine:Jardin des Modes, April 1961.
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Ya llevamos siete días de conversaciones en torno a Cristóbal Balenciaga. Y todo se debe, como bien ha dicho esta tarde Javier Martín Galán, (uno de los componentes de Nihil Obstat: una firma de Alta Costura y Prêt-a-Portèr muy interesante y prometedora del actual panorama nacional) a un "inocente" post de Ana Balda en su blog de Arte y Moda; a partir del cual, se han generado una serie de comentarios que han derivado en una conversación en torno al gran modisto.
Animo desde aquí a tod@s l@s interesad@s a participar en dicha conversación (que a este paso, vamos a convertir en el primer foro en torno a Cristóbal Balenciaga) y con ello contribuir a divulgar la figura del couturier y su obra.
Como llevo haciendo desde el principio ,hoy coloco aquí los últimos 5 comentarios (en el link aparece el post de Ana Balda) para que a quién le apetezca, siga la conversación desde el primer día:
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Prosigo la conversación con Ana y Mariu después de leer en el blog de esta última su intervención que, por motivos desconocidos del ciberespacio, no pudo insertar en el blog de la primera, donde hice mi primer comentario y vuelvo a colocar este segundo.
Una de las características del arte de las últimas décadas es la disolución de las fronteras entre lo que entendemos como creación artística y la mera actuación vital de las personas y sociedades en el espacio y tiempo que les toca vivir. La habilidad para realizar determinados objetos ya no es tan valorada como lo fue tiempo atrás, y considerar el “genio” como causa de la creatividad de un individuo singular es una palabra que ha desaparecido por completo del vocabulario utilizado en los análisis estéticos.
Se trabaja y valora más la idea que la realización y en esto, no lo dudo, hay ganancias y pérdidas, pero supone una fuerte corriente del arte actual por la que circula un elevado número de creadores nos guste mucho o poco. En el fondo, la creación de formas, colores y texturas debe tener, para ser arte, un componente simbólico. Ese es el nivel en el que vive un objeto en arte, no en el nivel de lo que es, sino el nivel de lo que significa. Por eso -y pongo un ejemplo que he conocido- una huerta trabajada por un hortelano es una huerta, sin más, pero si un artista decide hacer una huerta no son los pimientos que pueda producir o no (es lo de menos) lo que interesa, sino lo que representa su acción en el contexto donde la despliega. Algunos creadores se niegan a reducir el campo de trabajo del artista a la producción de objetos físicos (pinturas, esculturas…) y lo ensanchan a la esfera de la acción social con la generación de situaciones que no dejan rastros materiales pero si derivan en consecuencias esclarecedoras para el entendimiento. ¿El Arte no era una herramienta para el conocer, aunque estuviera decorando los palacios de los aristócratas? El arte se mueve en el nivel de lo simbólico, no necesariamente en el de lo objetual. Por eso existen obras trabajadísimas, difíciles de ejecutar por una persona no adiestrada, resultado de la aplicación de tecnologías muy avanzadas e inéditas, pero sin significado alguno, sin el componente que lleve al observador a comprender algo inmaterial y mental más allá de lo que contempla: lo que ves es lo que ves, bien ¿y qué más? Ah! ¿no hay más? Dudaría que eso fuera arte, de ser así, aunque quizás aceptaría considerarlo como ornamento.
Durante muchos años he escuchado a demasiada gente decir que algunas piezas que se muestran en los museos de arte contemporáneo no son arte, con aquel argumento de que eso lo puede hacer un niño. Cada cual es libre de considerar arte o no arte lo que mejor le parezca, por supuesto, de acuerdo con sus conocimientos, que en ocasiones no son muchos. Tampoco me debería extrañar que algunos diseñadores de vestimentas no consideren arte lo que hacen, pero me extrañó escucharlo. Dudo que Irving Penn creyera que estaba haciendo arte cuando retrataba a Lisa Fonssagrives por encargo de Voigue, pero el hecho es que sus obras están en los museos de arte moderno hoy. ¿Se equivocaba Penn? No necesariamente, su trabajo era hacer buenas fotografías y el trabajo de otros es decidir qué es artístico y qué no lo es. Respeto que crean que hacen artesanía o “artcraft”; así será para ellos. No para mí, aunque por supuesto no creo que en todas las ocasiones la creación de vestidos, trajes y demás sea arte. Lo que llamamos Arte (con mayúsculas) también está sometido a modas dentro de sus campos y también está sujeto a una utilidad práctica y mercantil, si no fuera así ¿para que existirían las galerías?
Esa disolución de las fronteras entre Arte y Vida que mencionaba al principio ¿no se da acaso también en las pasarelas donde se exhibe moda? El Sartorialista ¿no es un buen ejemplo de esa disolución?
No he respondido a todas las cuestiones planteadas por Mariu pero podemos continuar.
Lo que dices, Javier, me hace recordar una rotunda afirmación que hace Gombrich en su Story of Art: "No existe, realmente el Arte. No hay más que artistas", para continuar después "(existen), hombres y mujeres favorecidos por el maravilloso don de equilibrar formas y colores hasta dar en lo justo, y, lo que es más raro aún, dotados de una integridad de carácter que nunca se satisface con soluciones a medias, sino que indica su predisposición a renunciar a todos los efectos fáciles, a todo éxito superficial a favor del esfuerzo y la agonía propia de la obra sincera". Una idea que nos coloca delante de Cristóbal Balenciaga.
Estoy encantado por el post de Ana y sobrecogido por la conversación que ha desencadenado. Parece que siempre nos pegamos con un muro: la frontera, quizás no tan abstracta como parece, de lo que es arte y de lo que no lo es.
Pero, ¿quién se puede atribuir el derecho a decir "Esto sí es arte", "Esto no"?¿Quién es capaz de elevar el cine a la categoría de arte, y decir que la costura no lo es?¿Se basa simplemente en impresiones subjetivas?
Desde luego, a mi entender, algo que no sólo es bello per se, como un cuadro o una escultura, sino que además tiene la facultad de embellecer y dignificar a las personas, me parece que debe poder ser elevado a la categoría de arte.
Antes de nada, agradezco a los dos vuestra rápida respuesta y vuestro ánimo de “conversar”. Interesante, porque cada uno ha intervenido sobre el mismo tema, en su propio tono, desde su ángulo de visión y área de conocimiento: Ana, economista, analista de Moda y especialista en Balenciaga ; Javier, crítico de Arte Contemporáneo, Doctor en Filosofía y actual Director del Museo Balenciaga y yo, Lda. En Bellas Artes” , investigadora y conocedora de Balenciaga “desde dentro”. Por el momento, tres personas. Alguien más se anima?
Creo que de cualquier manera, y desde cualquier ángulo, la discusión siempre es interesante. En este caso, el blog de Ana ha posibilitado esta conversación en torno a la Moda y el Arte con Cristóbal Balenciaga. como eje principal.
Y, volviendo a la conversación…
Al hilo de… Gombrich (creo que la definición del autor, efectivamente, es muy apropiada en este caso, Ana.)… , del Arte Conceptual, el Postconceptual y de cómo el nivel de “lo simbólico” y no necesariamente lo objetual es lo que forma parte del panorama actual del mundo del Arte, como dices, Javier, desde hace décadas… Pues no. No es nuevo, no. Ya se encargó Duchamp, hace exactamente un siglo, de ejercer como precursor . Otro visionario. Y sin alejarnos tanto, estoy recordando ahora mismo a artistas muy cercanos a nosotros en el tiempo y el espacio como Sergio Prego, Jon Mikel Euba, Txomin Badiola, Itziar Okariz … que desde hace casi dos décadas generan proyectos artísticos donde, como dices, se trabaja y valora la idea de la realización, el proceso. Y todo ello en el contexto de lo social, lo antropológico, lo “real” como en ocasiones ellos han definido.
Y fijate que aunque parezca salido de contexto… ésto me hace recordar los primeros Manifiestos Futuristas (1910) que recogen la ideología de un nuevo movimiento artístico que ahora, resulta por un lado tan ingenuo y por otro, tan actual: “… De acuerdo con nuestros deseos de contribuir a la imprescindible renovación de todas las formas de expresión artística, declaramos una guerra resuelta a todos aquellos artistas e instituciones que, camuflándose tras una apariencia de modernidad, permanecen encadenados a la tradición, al academicismo y en especial, a una insoportable haraganería intelectual. “ Escritos de Arte de Vanguardia. 1900-1945.
Cada movimiento artístico corresponde a un momento histórico y no podemos perder de vista que Balenciaga desarrolló su trabajo entre 1920 y 1968. Y no en el contexto del arte propiamente dicho, aunque exista un claro simbolismo tras su obra y nosotros y otros muchos, la consideremos Arte.
Se que la forma en que hablo de Balenciaga puede resultar absolutamente decimonónica, trasnochada y vista desde un punto de vista “academicista” . Pero es que, sin perder de vista otras visiones enriquecedoras al 100%100 –por supuesto-, la que conozco de cerca, es ésta. Y corresponde a su mundo real. A su persona, sus motivaciones, ideología, su forma de entender el mundo, su mundo. Y aunque su obra ha sido arriesgada e innovadora en todo momento, su grupo destinatario y el círculo en el que éste se movía –y se sigue moviendo, porque la aristocracia ha cambiado bien poquito- no varía y él estaba de acuerdo con esta realidad. Existía una gran coherencia entre su obra, su pensamiento, su público. No olvidemos que su público es “inmovilista”, rancio, pero tambien quiere estar “a la última”. Es una de tantas interesantes contradicciones.
Deciros que incluiré estos cuatro nuevos comentarios en mi blog como un post titulado: “Seguimos conversando con… “ (si no os parece acertado, solo teneis que decirmelo. Lo hago porque creo que todo lo que se hable de Balenciaga desde el interés de seguir aprendiendo y compartiendo, es bueno.)
Conversar con vosotros, está siendo un placer.
Mariu Emilas
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Tras leer el artículo han aparecido dos, no menos, interesantes comentarios al mismo. El primero era de Javier González de Durana, actual Director del recién inaugurado Cristóbal Balenciaga Museoa, en Getaria y el segundo, la respuesta de la propia Ana Balda.
He pretendido incluir un comentario mío, pero resulta que tal ha sido mi emoción al escribir y esribir y escribir... que por lo visto he superado el número máximo de caracteres y no he podido dejar, en el blog de Ana, mi comentario. Así es que esta es la razón de que lo deje aquí. Porque mi intención, como digo era "conversar".
Con lo cual: instrucciones de uso: Acudir a Style is an attitude, leer el post para despues leer los comentarios aquí copiados; tras el cual, aparece el mío. Para quién tenga paciencia y ganas de seguir leyendo sobre Balenciaga... ahí va...
Este final, "vestidos, capas y chaquetas que por su corte, proporción y perfección, también son obras de arte", con el que estoy totalmente de acuerdo, me impulsa a comentar aquí que hace pocos días tuve un encuentro con algunos diseñadores vascos en el propio Cristóbal Balenciaga Museoa. En una conversación informal con varios de ellos me preguntaron que clase de contenidos se verían en el futuro dentro del museo, si habría exposiciones de arte o si serían siempre sólo de moda. Respondí que la intención era mezclar las tipologías artísticas en la medida de lo posible y presentar diálogos cruzados entre las artes; vestimenta, pintura, escultura, fotografía, vídeo... De pronto varias de las personas presentes, diseñadores y diseñadoras, me respondieron que la ropa no era arte, sino artesanía por tratarse de algo utilitario. Me quedé muy sorprendido de que esa afirmación procediera de profesionales del sector. Repliqué que para mí cierta moda es arte, del mismo modo que cierta pintura lo es y otra pintura no pasa de ser mera decoración, y que la arquitectura también es algo utilitario sin que no se cuestione por ello su condición de arte. En fin, lo dejo aquí a la espera de poder profundizar en futuras ocasiones en este asunto que yo creía sus propios protagonistas tenían más claro.
Gracias por tu comentario, Javier y sé bienvenido a este blog. Es un tema profundo. La pregunta que subyace de fondo afecta al mundo del arte en general:¿qué puede ser considerado una obra de arte? Un tema recurrente, especialmente después de lo de Duchamp y su famoso urinario, que afecta especialmente al mundo de la moda desde que entró en los museos. En cualquier caso, incluso entre los más escèpticos, hay consenso en que pocos dominaron la técnica tanto como Balenciaga en esto de "hacer cosas hermosas". El quiz puede que esté en esto que dices: "cierta moda es arte, del mismo modo que cierta pintura lo es y otra pintura no pasa de ser mera decoración, y que la arquitectura también es algo utilitario sin que no se cuestione por ello su condición de arte". Supongo que influye también el sujeto que mira, me refiero a su capacidad para saber apreciar "las cosas bellas". ¿Una cuestión de formación, de actitud, de saber mirar? ¿de tiempo para detenerse y diferenciar? Quizás necesitemos también un filósofo en esas futuras ocasiones.
En cualquier caso el Museo Balenciaga puede contribuir mucho a profundizar en cuál es el lugar de la moda. Un placer tenerte por aquí interactuando en torno a Balenciaga y la belleza. Saludos.
Buenos días! Bonita mañana de domingo para leer, reflexionar, debatir y … por qué, no? polemizar un poquito…
“La moda no es un arte, pero para dedicarse a ella hay que ser un artista”. Yves Saint-Laurent.
Si me permitís participar en vuestra conversación sobre si la Moda es o no es Arte…. Os diré, por si sirve de aportación, que hasta hace exactamente un año, en mi tesis doctoral sobre Cristóbal Balenciaga, uno de los aspectos a tratar era el de “demostrar” que el modisto elevó la Alta Costura a Disciplina Artística.
Digo “ hasta hace un año”, porque fue en octubre de 2010 cuando tuve mi última conversación con Lesley Miller –conservadora del departamento textil del Museo V&A y gran experta en Balenciaga- sobre ésto y ella, de la manera más simple –al mas puro estilo británico diría yo… aunque ella es galesa- desmontó mi teoría en un segundo con la simple observación: “Se trata de una cuestión de definición. Quizá en español el concepto “artista” y “artesano” no sea muy diferente. En inglés, la diferencia es clara. Está en el diccionario.” Claro que, ella, qué me va a decir siendo, como es, Conservadora del Museo -más importante del Reino Unido-, que ilustra la evolución de las llamadas “artes industriales” o “menores”…
(Vaya por delante mi admiración por Lesley Miller. En las ocasiones en que he charlado con ella he comprobado su gran profesionalidad, su profundo conocimiento y su humildad y generosidad para con ese conocimiento; cosa que alabo de forma especial. Y no pierdo de vista que debido a esta “simple” observación suya mi investigación tomó un camino bastante más interesante que el inicialmente tomado.)
Su respuesta, en un primer momento, me dejó bloqueada porque mi hipótesis, tal y como estaba planteada, se caía inevitablemente. Pero la reflexión que vino después, fue muy interesante porque me ayudó a profundizar en la cuestión fundamental : la naturaleza creadora de Balenciaga, los aspectos psicológicos que poseía ( que son ni más ni menos los que posee una persona que llega a la “Excelencia”, en cualquier ámbito de la vida), su necesidad de permanente búsqueda de la perfección a través de un proceso creativo que le llevaba a una materialización de la “idea” absolutamente genial, en el sentido más estricto de la palabra “genial” (Los comienzos de la investigación sobre la creatividad se remontan a la Psicología del pensamiento. Graham Wallas (1926) habla de pensamiento creativo, que es común al artista y al científico. Este, se propone la tarea de descubrir nuevos hechos y principios, en tanto que el artista se propone como meta la interpretación de cosas, relaciones o valores imaginarios. Pero en ambos casos podemos seguir las cuatro fases de proceso: 1) preparación, 2) incubación, 3) iluminación y 4) verificación. Y por supuesto, Balenciaga pasa por estos cuatro estadios) y la combinación de todo sumada a un profundo conocimiento de la técnica –en permanente evolución- dio lugar al hombre “completo”, visionario y creador que conocemos.
Las creaciones de Balenciaga son alabadas por sus coetáneos por adelantarse de forma permanente a su tiempo en un sentido estético absolutamente revolucionario, arriesgado e innovador y tambien, técnico. Y esto último, es algo fundamental que en el caso de Balenciaga, no podemos perder de vista.
Su clientela le adora por lo mismo. Pero en el caso de las clientes, lo visual y lo técnico, se traduce en: ser portadora de la belleza sin igual, ser la mujer más exquisita, deliciosa y “segura” de la velada: la más actual y sin duda, la más rica. Pero no sólo esto. Vestir Alta Costura de Balenciaga no sólo significa brillar en Sociedad como ninguna. La Alta Costura y en particular, Balenciaga, tiene la particularidad de hacer sentir a la mujer que porta una de sus prendas: cómoda, ligera, consciente de que la prenda no solo, se ajusta perfectamente a nuestro cuerpo y no, nuestro cuerpo a ella (fundamental diferencia entre la Alta Costura y el Prêt-a-Portèr) sino que además, “acompaña” nuestro caminar, nuestros movimientos de brazos, cuello, cabeza… y todo ésto sólo lo percibe la persona que ha llevado un Balenciaga. De ahí esa expresión de algunas de sus clientes en cuanto a “sentirse dentro de una segunda piel”.
Una prenda de Balenciaga está “construída” desde una profunda necesidad de búsqueda de la “Perfecta Belleza”: Desde una sensibilidad especial para los tejidos que mostró desde niño y que más adelante desarrolló llegando a conocer a la perfección el comportamiento de éstos; desde un conocimento de la técnica , inicialmente, de sastrería y que más tarde, en sus manos, llegaría a convertirse en la “Técnica Balenciaga”; desde un estudio pormenorizado de la anatomía femenina y del movimiento del cuerpo humano; desde la observancia de las costumbres, modos y maneras de la sociedad de su época; desde su pasión por el Arte, el Folklore… su tremenda religiosidad y… su curiosidad natural.
Como todo creador entregado a su trabajo de forma apasionada y permanente, sin conceder permiso ninguno a la distracción; plasma su carácter, sus pasiones, conocimiento, experiencia, intereses , preocupaciones y propios dramas en su obra. El creador genial, imprime su propio sello, marca la pauta y permanece.
Cómo dijo él mismo a Monsieur Givenchy: “ La Moda pasa, el estilo permanece.”
A Balenciaga no le interesaba la Moda. Para él no era mas que un concepto. El era un creador que valoraba el “permanecer” y la Moda es Efímera. Hoy nace y mañana muere. Lo que le interesaba era la Alta Costura y ese “estilo” que él perseguía y conseguía, de forma incesante.
Conoció desde niño la costura porque fue lo que vio en su casa. Elresultó ser un “talento” y fue deslumbrante en el campo de la Alta Costura. Lo hubiese sido en otro área? En la arquitectura… la escultura.. la ingeniería? Lo convertiría ésto en artista, artesano, técnico…?? Que más da….??!! (digo yo…)
Y a mí ya no me interesa si Balenciaga era un artista, si la Moda es Arte o si el Arte es Moda. Porque como decía Lesley Miller, todo ello lo recoge el diccionario.
Mi padre y mi abuelo –ambos modistos de Eisa, Madrid- decían que Balenciaga era un artista. Ellos, a sí mismos, se definían como artesanos.
Al fín y al cabo, si la gente dice o no dice ésto o aquello, en muchos casos; solo depende de una normativa, muchas veces trasnochada y recogida en un documento, de una definición del diccionario o de una creencia “acomodada” en nuestro cerebro.
A mí me interesa el Balenciaga creador. El genio. Como el que le interesa a Ana Balda y el que parece, le interesa a Javier González de Durana. Creo que ahondar en el Balenciaga creador y el “bautizar” al Museo Balenciaga como “Espacio de Arte Contemporáneo” es una buena idea para gestionar un museo, ya apagadito antes de comenzar a andar, como es el de Getaria. Bonito reto. Y bonita apuesta.
Y…. A mi modo de ver… Por supuesto que el Museo debe recoger exposiciones de diferentes tipologías de arte! … Cómo explicar, divulgar si no, quién fue Balenciaga? Cual fue el contexto social, político, artístico de la epoca? Cual fue su contribución, En qué se inspiraba? Por qué hacía lo que hacía? Quién era esa clientela para quién cosía? Cómo la confluencia de diferentes aspectos, circunstancias, influencias dan lugar a la creación tanto en él como en otros creadores?, cómo ha influído su trabajo en posteriores generaciones, en los diferentes movimientos en torno al Arte, la Moda…? Qué hubiese pasado si Balenciaga hubiese nacido en el S.XXI ¿ Qué uso hubiese hecho de las Nuevas tecnologías alguien arriesgado y visionario como él?
Qué diferencias y analogías existen entre la creatividad artística y la científica? Se puede comparar a Balenciaga con Pasteur?....... ¿No? ¿Por qué?........
A finales de junio me encontré en san Francisco, en el Museo Young, viendo la exposición de Balenciaga : “Balenciaga & Spain” a un arquitecto de 79 años que me explicó el interés que suscitaba en él la construcción que hacía Balenciaga de sus mangas.
Qué opinaría de ellas Frank Lloyd Wright? …Y Norman Foster? El segundo, sigue con vida. Por qué no preguntárselo? Y a Moneo? Calatrava?....Por qué no reflexionar, investigar y pensar en la posibilidad de crear una exposición con todo ello? ….Un ciclo de conferencias, un catálogo editado, por ejemplo, por Elena Ochoa…
¿Qué ocurre con el “Arte Callejero” el arte de usar y tirar y su similitud al concepto y al uso que se hace de la Moda actual? Y qué vestido de Balenciaga (tal vez el de falla amarillo que regaló a Givenchy cuando éste cumplió 23 años) nos puede servir de punto de partida para pensar en un discurso expositivo relacionado con los conceptos: efímero, “usar y tirar, Grafitti, Moda, Arte, técnica… Balenciaga? No? Por qué? No tiene nada qué ver? Dónde está la idea luminosa? Dónde surge lo coherente y divulgativo? Lo reflexivo? Necesariamente en lo “encorsetado” y riguroso..?
Creo, Javier (y perdona que te tutee) que a tí te toca, desde un discurso coherente, divulgativo y audaz, dar a conocer el personaje y su obra. Y por fín, salir del tenebrismo y del “departamento estanco” a la luz, la brillantez y el colorismo.
Sí, ya sabemos que no contamos con un alto presupuesto y ahora, menos, pero…¡ imaginación al poder! ¿O no?
Ahí lo dejo……… Y… ¡Buena Suerte!
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Ayer recibí un comentario en el blog, de Javier Martín Galán, uno de los componentes de Nihil Obstat. Un comentario ilusionante sobre el libro "Balenciaga. Mi jefe," No es que los demás comentarios no lo sean, no. Lo que ocurre es que cuando alguien que es tan conocedor y cercano al contexto que describes - en este caso, el entorno profesional de Cristóbal Balenciaga- te dice, que espera con impaciencia ese libro que se está preparando, ésto es motivo de alegría y como le dije a él en mi respuesta: inevitablemente sus palabras refuerzan todavía más la convicción de que la publicación de este libro es una "buena idea".
Javier Martín Galán fue, en su día, alumno aventajado de Carmen y Emilita Carriches, en el Centro Superior de Diseño de Moda de Madrid. Las hermanas Carriches, como siempre digo, fueron unas de las mejores modistas que tuvo Cristóbal Balenciaga en sus Casas de Costura, situadas en San Sebastian, Madrid, Barcelona y París.
Así es que Nihil Obstat posee un sello importante: el de la "Escuela Balenciaga". De hecho, en algunas de sus creaciones, es visible el conocimiento y la aplicación de la Técnica del Maestro. Un claro ejemplo es este abrigo cruzado, de cuadros, con manga japonesa. Lo que en sastrería se llama: Un japonés.
Me gusta especialmente la colección de vestidos de novia. Merece la pena visitarla en la web de la firma. De hecho, este dúo de diseñadores comenzó dedicado a la alta costura, en concreto: vestidos de novia y de noche; para más tarde lanzarse a la aventura del Prêt-a-Portèr.
"...Nihil Obstat ha colaborado con la figurinista Gabriela Salaverri, ha participado con sus creaciones en producciones de ópera, asimismo trabaja con Mariana Polski para vestir a Anabel Alonso en “Nunca estuviste tan adorable” de Javier Daulte . Por su parte, la coreógrafa y bailarina Michelle Man también ha confiado en ellos para realizar el vestuario de su pieza "Porque hay piedras que guardo...". -Extraído de la web de Nihil Obstat.-
Aquí van algunas de la creaciones de la firma y sus apariciones en revistas de Moda y actualidad:
Nihil Obstat viste a Marta Larralde, en Woman.
En la revista WOMAN del mes de AGOSTO 2011
En la revista VOGUE, novias. España.
En la inauguración del Museo Cristóbal Balenciaga en Guetaria, pudimos ver a Nihil Obstat y tambien a la Ministra de Cultura Angeles González-Sinde, vestida por ellos, para el acontecimiento.
¡Mi enhorabuena por ese dos piezas de falla ( en una mezcla de seda y poliester impermeabilizada), en color grafito !
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Decía yo que era una peculiaridad "del arte de las últimas décadas... la disolución de las fronteras entre lo que entendemos como creación artística y la mera actuación vital de las personas y sociedades en el espacio y tiempo que les toca vivir". No afirmaba que fuera un fenómeno "nuevo", sino "característico", y que esto representaba "una fuerte corriente del arte actual por la que circula un elevado número de creadores".
Puestos a remontarnos al pasado se puede ir mucho más atrás de Duchamp. Podemos llegar hasta Leonardo cuando aseguraba que la pintura era una cierta cosa mental, lo que suponía rebajar la importancia del objeto pictórico y un señalamiento de que el verdadero protagonismo de la pintura (o el arte) acontecía cuando se superaba el nivel de lo retiniano (la complacencia sensorial) y se excitaban las preguntas en la cabeza del observador (la indagación personal del significado). También lo señaló siglos después Denis Diderot: "La pintura es muda, pero gracias a ella yo hablo conmigo mismo y me interrogo".
Sí, quedó claro desde el principio que te referías no a algo” nuevo”, sino a algo “característico”. Y cuando decía en mi último comentario: “No, No es nuevo.”, es lo que pretendía apoyar, pero sin duda no lo he expresado bien en el texto. Espero que ahora, quede aclarado. Y … conciliado!
Diderot…. Otro gran transgresor. Irónico y genial.
El prólogo de su libro Pensées sur l'interprétation de la nature (1753):
“Joven toma y lee. Si puedes llegar hasta el final de esta obra, no te costará comprender otra mejor. Como me he propuesto no tanto instruirte como ejercitarte poco me importa que admitas mis ideas o que las rechaces, con tal de que ocupen toda tu atención. Alguien más capacitado te enseñará a conocer las fuerzas de la naturaleza; me bastará con haber puesto las tuyas a prueba. Adiós.”
Y hablando de Leonardo… me viene a la cabeza… Hace poco estuve leyendo sobre los montajes efímeros de Leonardo da Vinci y su amigo, el ingeniero Francesco di Giorgio Martini –considerado el primer escenógrafo de la historia-. Fiestas espectaculares en suntuosas villas. Lástima que algunas fueran tan efímeras que ni siquiera llegasen a celebrarse por falta de previsión. En cierta ocasión, Leonardo realizó un “montaje” en el que el mobiliario (mesas, sillas y demás objetos) estaban realizados a base de comida (montañas de pan, verduras, hortalizas…). Se preparó todo de víspera. El resultado fue una larga mesa para decenas de comensales, con su vajlla, cubertería…..sillas y bancos y un grupo de soldados lo custodió durante la noche con objeto de que no apareciesen ladrones y se lo llevasen. Sin embargo, no pudieron evitar que los pájaros destrozasen todo aquello y la mañana siguiente el espectáculo fuese desolador. La fiesta, por supuesto, no se pudo celebrar.
El caso es que según iba leyendo lo que acabo de contar, me iban apareciendo una serie de imágenes de la última exposición de Alexander McQueen en el Metropólitan, de N.Y., este verano. “Belleza Salvaje” se tituló. (asociación de ideas, simplemente), pero que, a su vez, me llevó a imaginar una exposición sobre Balenciaga: colorista, brillante y ligeramente “salvaje” ( en esto interviene directamente la iluminación, elemento fundamental para crear una atmósfera adecuada) donde se manifestasen cualidades hasta ahora no mostradas de la obra del couturier.
Mariu Emilas
Vengo siguiendo desde hace unos dias esta interesante conversación y he de agradeceros a todos lo que nos estáis enseñando al hilo de un articulo "inocente" publicado por Ana Balda, cuyo blog sigo desde hace tiempo, al igual que el de Mariu Emilas.
Me sorprendió cuando nos transmitia Javier el comentario de este diseñador que consideraba la moda como artesania por el hecho de ser útil.
No soy experto en arte pero si diseñador y conocedor de la obra de Cristóbal Balenciaga desde hace años a traves de Carmen y Emilita Carriches dos de sus primeras manos en la casa Eisa de Madrid a quienes conocí en 1987 y por lo tanto, desde mi perspectiva, es muy importante no solo la apreciacion de volumen, color y proporción, sino también la construcción y la tecnica con la que estan concebidas las piezas expuestas. Recuerdo un dia en que mis maestras me mostraron un vestido negro de panamá de lana de 1957 con capa a juego (el museo conserva uno igual en su colección) sólo que a este le habian retirado el forro por que se encontraba muy deteriorado. Estuve todo el tiempo que pude contemplando aquella maravilla desde el interior, la forma en que estaba construido no se parecia técnicamente a nada que yo hubiera visto hasta entonces.
Años despues recuerdo haber tenido una sensación muy parecida cuando visite la ermita mozarabe de San Baudelio de Berlanga en Soria y me refiero a una sensacion de absorción tan evidente que incluso el vigilante me permitió acceder a zonas que habitualmente no estan abiertas al público y recorrerlo todo a mis anchas.
Volviendo a la obra de Balenciaga, creo que otro de sus grandes logros fue crear un taller que pudiera realizar todas sus ideas y no es facil conseguir mas de cuatrocientas personas conozcan a la perfección como debe realizarse un cuello Balenciaga.
Con estas apreciaciones no pretendo demostrar yo que la obra de Balenciaga sea arte, aunque tenga un museo consagrado a su cuidado y promoción, simplemente que a "nivel usuario" la diferencia, a veces, no es tan evidente.
Para decidirlo, doctores (y doctorandos) tiene la Santa Madre Iglesia, pero como dice el refrán: "Algo tendra el agua cuando la bendicen".
Javier Martín
Gracias, Javier, por unirte a la conversación. Tu comentario, desde la perspectiva de tu experiencia y trabajo, deja claro que no existe consenso entre los diseñadores respecto a la cuestión que plantea Javier González de Durana en su primer comentario. Interpreto con esto que dices de "a nivel de usuario la diferencia, a veces, no es tan evidente" que te refieres a que, quien mira, en este caso un balenciaga, tiene que conocer los entresijos técnicos de la costura, para saber apreciar el mérito del modisto en la conjunción de diseño (belleza)+construcción(patrón). Saber ver el mérito de haber visto algo y saber plasmarlo en la realidad, en este caso manipulando un tejido, con tijeras, hilo y aguja. Y todo con la dificultad añadida, de que un modisto nunca piensa en un traje como algo estático, para ser mostrado en un museo, sino como algo que va a tener vida, porque va a ser utilizado por alguien, es decir, tiene que ser llevable, cómodo. Eso añade a todo el proceso creativo de la costura la dificultad añadida de establecer una restricción importante: que lo que se está haciendo no puede limitar la capacidad de movimiento de quien lo va a llevar. Ahí esta a mi modo de ver, la "compleja complejidad" de vuestro oficio. Por eso creo que cuando se consigue la terna: belleza, perfección técnica y funcionalidad, sí estamos ante algo que sí debería ser considerado arte. Algo que a la vista de todos los comentarios, al menos Javier González de Durana, Mariu, tú y yo, compartimos.
Vaya…! Qué agradabilísima sorpresa tenerte en la conversación, Javier!
Y a tí , volver a leerte, Ana! Por supuesto!
El que tambien espero que vuelva a incorporarse es Javier González de Durana, que aporta en cada comentario “sabiduría y brisa fresca” desde un ángulo de visión sumamente interesante: el mundo del arte -y además: “desde dentro”: desde el Museo de Getaria-, a nuestro tema Balenciaga : Tan falto por estudiar, por un lado y tan manido, por otro.
Volviendo al aspecto técnico que comenta Javier… lo cierto es que “las tripas “ de una prenda de Balenciaga no tienen nada que ver con las “tripas” de otras prendas. Y lo más curioso de todo es que cuando observas lo que hay “bajo el forro” (entretelas, picados, tapas; en ocasiones: plomos…..) pudiera dar la sensación , de que por esta complejidad constructiva, la prenda debe ser “pesadísima” y sin embargo, resulta absolutamente ligera cuando nos la ponemos. Como una pluma. Y no exagero en absoluto. Este era uno de los objetivos del modisto y desde luego, lo conseguía. Por eso, tantos le denominan “Arquitecto de la Moda”. Porque no sólo era conocedor de la técnica de Alta Costura, sino que además su aportación fue fundamental para que ésta creciese, evolucionase y llegase a un nivel de perfección tal, de forma que sus creaciones resultasen esteticamente impecables en cuanto a línea, volumen y formas. De una limpieza absoluta y una sencillez exquisita. Los que le denominan “arquitecto”, saben muy bien de lo que hablan: El trabajo de Balenciaga estaba fundamentado en unos sólidos cimientos. Como si cada prenda se tratase de un edificio concebido desde la solidez, la permanencia y la perfección técnica; para exteriormente, mostrarse: firme, al mismo tiempo que delicado, liviano y bello.
El mismo dijo , tras retirarse la ya famosa frase: "Un modisto debe ser: arquitecto para las líneas, escultor para la forma, pintor para el color, músico para la armonía y filósofo para la medida".
Mariu Emilas